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Hier
sehen Sie Werke aus seinen verschiedenen Schaffensperioden mit dem
Titel „Meine Welten, Ihr Erlebnis“, und schon
die intensive Farbigkeit der Einladungskarte macht deutlich, dass wir hier
ein Spektrum der unterschiedlichsten Impressionen zu erwarten haben. Und
als einen Leitgedanken meiner Einführung möchte ich auf ein Zitat von Marcel
Proust verweisen, der sagte: „Die
wirkliche Entdeckungsreise besteht nicht darin, neue Landschaften zu
suchen, sondern mit neuen Augen zu sehen“.
„Meine
Welten“ -
mit dem Titelthema lädt Peter John uns ein, in die Bildwelten
eines Malers einzutauchen, die geprägt sind durch die
Anschauung und das Hinterfragen des Gesehenen.
Da
greift er ein Motiv auf, das ihm 1986 im Focke-Museum als
besonders erschienen war, eine Tabakpresse, die er dann auch
in verschiedenen Studien gezeichnet hat.
Die Tabakpresse steht
für die Arbeiterschaft, sie ist damit ein Motiv für die
Gewerkschaft zur Arbeiterbewegung, deren Mitglieder in früherer
Zeit im Bereich der Neustadt als Zigarrenroller tätig waren. Hier zeigt
er uns den Mittelteil des Triptychons in der beeindruckenden Größe von
1m X 1, 90 m in Ölfarbe auf Leinwand. Die Kraft der Presse steht für ihn
als ein Gleichnis dieser Werktätigen, denen er mit seiner Arbeit ein
Denkmal gesetzt hat.
Wenn Peter
John eine Bildidee hat, greift er zunächst meist zur Kamera und
nimmt sein Objekt auf. Dann beginnt er mit der malerischen Umsetzung. Das
Bild „Unser Süppchen“ zeigt zunächst seine
naturalistische Aufsicht auf einen Teller und genau dort, wo es auf den
Inhalt ankommt, setzt er in den vertrauten Gegenstand einen abstrahierten
Farbenbrei, der unsere eigene Betrachtung und Bewertung des vermeintlich
Essbaren herausfordert. Doch unsere reiche Erfahrung hat uns gelehrt, dass
wir doch recht vorsichtig mit unbekannten Speisen umgehen und Fremdes
vielleicht besser in kleinen Häppchen probieren.
So
hat er seine Bildidee, die ihm aus der Küche auf den Teller mit dem Löffel
und weiter gefasst mit dem Blick aus dem Wintergarten zunächst als ein
Foto realisiert und dann seine malerische Umsetzung daraus entwickelt.
Wenn
wir uns dem nächsten Werk mit dem Titel „Heiß- Kalt“ zuwenden,
gab es zunächst eine Bleistiftzeichnung in seinem Skizzenbuch. Diese Idee
hat ihn jahrelang fasziniert und er hat sie mit der Gegensätzlichkeit von
Feuer und Wasser Gestalt finden lassen. Als Maler war ihm die Struktur des
Fließens sehr wesentlich, in den verschiedenen Farbnuancen modelliert er
diese Bewegung.
Das
Bild „Kino“ ist eine Darstellung, die sich mit dem
Gegenüberstellen von 2 Figuren fast wie ein Diptychon liest. Ein Foto von
2 Frauen mit ihren Blicken nach links und rechts aus dem Bild heraus
lassen die Mitte zwischen ihnen erst so richtig als Lücke deutlich
werden- so wie in einer Musikkomposition, wenn eine unvermittelte Pause
die Töne vorher – und – die danach - erst richtig mit Wucht spürbar
werden lässt.
Es
gibt angedeutete Figuren, sie stehen als Illusionen für die Dopplung der
Frauen, wobei die farbigen Streifen die Intensität des Malens
verdeutlichen, der Künstler selbst spricht hier „ von der
Steigerung des Gegensatzes“.
Fotos
aus Parks mit ihren Lichtdurchbrechungen vor tiefen Schattierten Bereichen
haben das Auge des Malers gereizt zu einem nächsten Werk. Er nennt es „Lichtung“,
wenn er uns in geheimnisvolle dunkle Hintergründe mit dichtem Bewuchs in
den durchgestalteten Tiefenraum hineinleitet - und doch als Gegensatz dazu
immer wieder auch die lichten Helligkeiten aufzeigt, so dass wir uns
eingebunden fühlen können und das malerische Hell- Dunkel nicht beängstigend
empfinden, sondern uns in ruhiger Gelassenheit durch die Lichtungen
bewegen. Da sind es wieder, nach Marcel Proust, Landschaften,
die wir mit neuen Augen sehen.
Und
wenn die Impressionisten den kurzen Moment des Augenscheins in
Farbzerlegungen mit ihrem Pinselduktus einfangen wollten, sehen wir bei
Peter John, wie in seinem Werk „Sommerwiese“ die
untergehende Sonne ihr weiches Licht durch die Grashalme fließen lässt,
die Farbe bricht komplementär zu dem Grün und verstärkt den Moment des
Schauens und Innehaltens.
Für
den „Aufblick“ war es wieder ein Foto, das ihn zur
Umsetzung in reine Malerei veranlasst, der Blick durch die Wipfel der Bäume
in den Himmel hinauf- der Tiefensog lässt uns aufblicken und um uns in
Erdnähe verbleibt das Rot als Gegensatz.
Und
große Gegensätze finden sich im „Dickicht“, wo er mit
kalten Farbveränderungen arbeitet, zunächst gestaltet er den
Hintergrund, auf den er dann sein Motiv setzt, wobei es ihm um die
Ganzheitlichkeit geht, denn aus den vielen Farbnuancen ergeben sich frei
gestaltete Partien, die seinem künstlerischen Anspruch des Freien Malens
entsprechen.
Das
große Werk mit dem Titel „Wärmebild“ umreißt ein
Thema, was nicht zur Entstehungszeit in den 80 er Jahren gültig war,
sondern auch heute immer noch zu Diskussionen anregt. Die Frage nach
Energie greift der Künstler auf, indem er Schwarzlicht einsetzt für den
fehlenden Strom. Damit stellt sich die Energiefrage nach der technischen
Erschließung der Erdwärme oder auch der Verwendung der Sonnenenergie.
Und wie in Michelangelos weltberühmten Wer „Die Erschaffung des
Adam“ wird hier das Zitat des gebenden Armes als Ausdruck göttlichen
„Beseelens“ aufgegriffen, um dem Leben im Raum neuen Nährboden zu
garantieren.
Nun
habe ich Ihnen mit meinen Ausführungen nur einen kleinen Querschnitt
durch die Ausstellung vor Augen führen können, nun sind Sie an der
Reihe! Machen Sie Ihre ganz eigenen Entdeckungen: Und schauen
Sie, welches der Bilder für Sie zu ihrem persönlichen
Erlebnis werden kann - tauchen Sie ein in Peter Johns Welten!
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"Im
Moment Grün – bis dann wieder Schnee fällt"
im Kunstkabinett Paula Becker 30.08.2018 – Regina Gramse
Der
Titel der Ausstellung, die wir heute eröffnen, Im Moment Grün –
bis dann wieder Schnee fällt, verspricht Landschaften, klingt wie
Sommer und Winter, Farbe und Schwarzweiß und lässt Bilder mit
Widersprüchen oder mehr noch, vielleicht einen malerischen Weg
zwischen Extremen erwarten. Als P.J. 1971 sein Studium an der HfK
Bremen begann, war noch Fotorealismus angesagt, auf den die
Konzeptkunst mit der totalen Verneinung des Werkes antwortete, was
wiederum die subjektive und gestische Malerei des Neoexpressionismus
hervorrief. Die Betonung liegt auf “Neo”, denn nachdem nun alles
schon mal da gewesen, d.h. die Malerei nicht mehr neu zu erfinden
war, konnte die so genannte Postmoderne beginnen, mit prinzipiell
zwei Optionen: dem kunsthistorischen Zitat, von dem viele Gebrauch
machten und der seltener gewählten Möglichkeit einer
stilpluralistischen Synthese, für die sich P.J. entschied und die
sicher jene irritiert, die von einem Künstler eine lineare
stilistische Entwicklung erwarten. Ausgehend von der Fotografie
arbeitete er in malerischer Perfektion zuerst fotorealistisch,
befreite sich dann zugunsten der Farbe vom Primat der Linie und
schließlich auch vom Gegenstand. Seitdem stellt er sich die Aufgabe
einer Synthese dieser formal widersprüchlichen Möglichkeiten, wohl
wissend, dass deren wirkliche Synthese ebenso unmöglich ist, wie
das ultimative Meisterwerk, an dem Honoré de Balzac 1831 in der Erzählung
"Das unbekannte Meisterwerk" den Maler Frenhofer scheitern
lässt. Weil auch wir klüger sind als Meister Frenhofer, sind wir
damit einverstanden, dass uns in den Bildern von P.J. Realismus und
Abstraktion innerhalb eines Werkes und von Bild zu Bild in ganz
unterschiedlichen Anteilen begegnen, in immer wieder neuen
Kombinationen, wobei der Gegensatz von beidem – gelegentlich gewürzt
mit einer Prise Surrealismus – oft gerade den besonderen Reiz
seiner Kompositionen ausmacht. Eines haben allerdings alle Bilder
gemeinsam: sie haben entgegen der immer wieder behaupteten
“Interesselosigkeit” von Kunst einen Sinn – Kunst ohne Sinn
ist m.E. Dekoration, ist Design und ergo keine Kunst mehr. P.J.
besteht darauf, dass seine Bilder Aspekte des Lebens reflektieren,
weshalb ihm Bildtitel wichtig sind. Diese sind manchmal wörtlich zu
verstehen, manchmal ironisch oder so widersprüchlich wie die
innerbildlichen Stilebenen spannungsvoll sind. Einen der wörtlich
zu verstehenden Titel hat das Bild Sonnenwiese (2011): hier dringt
die Sonne keilförmig in die Wiese ein und wird, was die Dynamik des
Pinselstrichs suggeriert mit dem die Sonne kreist, schließlich auch
die dunklen Ecken erreichen, während das Gras gleichsam auflodert,
bevor es sich mit dem kühlen Blau verbindet. Das Gras verbrennt
nicht, solange das Gleichgewicht der Natur besteht. Ohne Sonne gäbe
es die Wiese nicht, ohne Photosynthese keine Luft, ohne Gelb und
Blau kein Grün. Dieses Bild ist ein Gleichnis elementarer
Naturprozesse und auch ein rein malerisches Ereignis. Noch
abstrakter ist das großformatige Bild Olympisches Grün, eine
Komposition aus eher ruhigem Blau und bewegtem Grün, das in der
Mitte aufbricht, dort, wo man anlässlich zweier heller Flecken
unten links und rechts von der Mitte und drei fast kreisrunden
blauen Aussparungen im Grün, den fünften olympischen Ring vermuten
kann. Der Titel legt nahe, nach den Ring-Symbolen der fünf Erdteile
zu suchen und sich Gedanken über die mittlere Bruchstelle zu
machen. In Holzhaus (2014) geht es wieder um die Natur: mitten auf
der oberen Schnittfläche eines aufrecht stehenden, naturalistisch
gemalten Baumstamms steht ein minimalistisches Haus, sein Negativ
durchlöchert den Stamm. Es mag hier herausgeschnitten worden sein.
Unten erdet den Baum ein schmaler Streifen Grün. Der an sich
abstrakte Hintergrund, links weiß, hellgrau, hellblau, rechts
verdunkelt, von Nachtblau bis Schwarz, wird durch die weißen, als
Wolken interpretierbaren Flecken, die über Baum und Haus ziehen und
durch den Realismus des Baumstamms gegenständlich interpretierbar
als sich verdunkelnder Himmel, in den das Haus über die Baumgrenze
hinweg in schwindelnde Höhen gehoben ist. Es erinnert an Peter John
Im Moment Grün – bis dann wieder Schnee fällt im Kunstkabinett
Paula Becker 30.08.2018 – Regina Gramse 2 Wolkenkuckucksheim, an
die Stadt in den Wolken, die sich bei Aristophanes die Vögel bauen,
und das, synonym mit “Luftschloss”, eine völlig irreale Utopie
bezeichnet. Hier vielleicht die Utopie der Rückkehr zum Einfachen
zwecks Rettung der Natur? Ebenso können im Sinne der
Umweltproblematik eine Reihe von Bildern mit Nahsichten auf
Schneelandschaften interpretiert und als “Vanitas Stillleben”
wahrgenommen werden, z.B. Dickicht mit hängenden Zweigen oder
umgestürzten Bäumen, wo die Strukturen der Zweige in harten
Schwarzweißkontrasten zwischen gegenständlicher Bindung und
autonomer grafischer Struktur changieren, während der Schnee zart
bläulich und rosa-violett glitzernd, den Kontrast von Farbe und
Nichtfarbe einbringt und Ungebügelte Natur, wo der in dünnen roten
Linien gezeichnete, surreale Auftritt eines nur bei genauerem
Hinsehen bemerkbaren Bügeleisens den Titel des Bildes verifiziert.
Vor einem größeren Ausschnitt eines bergigen Waldes stehen in
Bruno Tauts Ausstellungsobjekte für die Umgestaltung der Alpen, im
Vordergrund auf weißen Sockeln aufgestellte geometrische Figuren,
eine Kugel, eine Pyramide und ein Quader. Diese Schneelandschaft hat
neben den eher abstrakten, schwarzweißen auch braune und tannengrüne,
sehr malerische, teilweise verwischte Partien, die den Wald hier natürlich/
naturalistisch erscheinen lassen. Mit seinen vielfältigen
Strukturen wirkt das Waldstück chaotisch, ganz im Gegensatz zu den
geometrischen Objekten. Bruno Taut war in der für Architekten
arbeitslosen Zeit des ersten Weltkrieges Initiator der “Gläsernen
Kette”, einem 1 geheimen brieflichen Austausch über
Architekturutopien, die ihn zu seiner Schrift Alpine Architektur
(1919) anregten, einer Fantasie über den Ausbau der Alpen mit einer
kristallinen Architektur zwischen Matterhorn und Monte Rosa. Taut
war auch Propagandist der “Auflösung der Städte” im Sinne der
realistischen Gartenstadtbewegung, an der er seit den 1920er Jahren
mitarbeiten konnte. Auf dem Boden dieser Realität reduzierte er
seine Alpenfantasie auf den Glasbaukasten Dandanah mit roten,
gelben, grünen, blauen und farblosen Glasbausteinen in
Elementarformen, die P.J. in opaker Variante zitiert, womit sie sich
besser als gläserne von der Landschaft abheben. Eine
umweltkritische Interpretation des Bildes aus dem Gegensatz von
Kultur und Natur liegt nahe, greift aber zu kurz, denn die weniger
auf Sockeln als auf “sakralen” Stelen erhöhten Objekte haben
einen ästhetischen Reiz, mit dem sie sich gegenüber der Natur
durchaus behaupten. Und gerade darum, um ästhetische Ideen ging es
Bruno Taut – damals noch ohne jegliche Sorge um die Natur – als
er, den Vorwurf der Sinnlosigkeit gegen seine Alpenfantasie
vorwegnehmend ausrief: …sind wir vom Nützlichen glücklich
geworden? – Immer Nutzen und Nutzen; Komfort, Bequemlichkeit, –
gutes Essen, Bildung – Messer, Gabel, Eisenbahnen, Closets und
doch auch – Kanonen, Bomben, Mordgeräte! Blos[s] Nützliches und
Bequemes wollen ohne höhere Idee ist Langeweile… 2 So ist das
Bild über mögliche umweltkritische Aspekte hinaus, vielleicht
grundsätzlicher zu verstehen: als ein Sinnbild des ewigen
Konfliktes zwischen Idee und Wirklichkeit. Abschließend möchte ich
zur Untermauerung der eingangs behaupteten stilpluralistischen
Synthese noch auf das Wärmebild hinweisen, wo Farbfeldmalerei,
Realismus und Surrealismus das Rätsel einer schwarzen Glühbirne
formulieren, die auf der fallenden Bilddiagonalen einer zum Grün
der Pflanzen komplementären roten, d.h. farblich maximal
energetischen Stelle zustrebt. So wie dieser Arm gemalt ist,
erinnert er an den ausgestreckten Arm Adams in der Sixtinischen
Kapelle, die Glühbirne an seinen Finger, der sich seinem Schöpfer
zum Empfang des göttlichen Lebensfunken entgegengestreckt. Hier
sind viele Assoziationen möglich, die überlasse ich aber Ihnen.
Ich habe genug geredet und wünsche Ihnen nur noch viel Anregung
durch P.J.s Motive und Freude an seiner Malerei.
1
U.a. Walter Gropius, Hans Scharoun, Wassili Luckhardt, Hermann
Finsterlin, Wenzel Hablik
2
Bruno Taut Alpine Architektur, Hagen 1919, Tafel 16
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Künstler Peter John stellt
naturalistische Ölgemälde im Quartierszentrum Huckelriede aus
Kritischer
Blick auf die Gesellschaft
Gerald Weßel 18.01.2018
Huckelriede. Ein Spaziergang kann vieles
sein – auch
ein Ölgemälde. „Vom Spaziergang zurück“ heißt eines der Bilder auf
Leinwand, die der 70-jährige Künstler Peter John aktuell im
Quartierszentrum Huckelriede ausstellt.
Peter John vor einem seiner Ölgemälde
(Ausschnitt), die Formate von 100 mal 90 Zentimeter oder noch größer
haben.
(Walter Gerbracht)
Sie alle haben eher
ein großes Format, wie 100
mal 90 Zentimeter oder noch größer.
Erfahrung im Malen hat Peter John
reichlich, er malt seit knapp 50 Jahren. Die Motive sind vielfältig, und
doch haben sie alles eines gemeinsam: Sie alle sind Vertreter
naturalistischer, realistischer Ölmalerei, die allenfalls minimal
abstrahiert daherkommt. „Gegenständliche Malerei auf Basis der
Wirklichkeit“, beschreibt der Maler seine Kunst. „Ich male nach
Ideen.“
Der Titel der Ausstellung „Was Sie so
noch nicht gesehen haben“ ergebe sich aus seinem Verständnis der Kunst:
Der Satz umschreibe die Transformation der Wirklichkeit durch das
Kunstschaffen des Künstlers. „Man schafft mit jedem Bild eine neue
Wirklichkeit, die an die reale Wirklichkeit angelehnt ist“, erklärt der
in der Neustadt lebende Künstler. Es sei niemals eine exakte
Entsprechung, gleichgültig, wie realistisch das Bild gemalt sei. Nach
Johns Verständnis ist es „ein anderer Blick auf die Wirklichkeit“.
Den Spaziergang im Gemälde macht der Künstler
höchst selbst. „Manchmal bin ich mein eigenes Modell“, erzählt er.
Doch dies sei eher eine Ausnahme auf dem Gemälde von 1986. Alle anderen
Bilder der Ausstellung seien zum einen deutlich jünger, aus den
vergangenen drei bis fünf Jahren. Und im Weiteren seien es keine
Bildnisse seiner selbst, erklärt der Maler, sondern anderer Menschen in
wechselnden Umgebungen.
Ein übergreifendes Thema, dass sich in vielen, wenn
auch nicht in allen Gemälden fände, sei die kritische Beobachtung der
Gesellschaft. Klinge kompliziert, sei es aber nicht: „Die Bilder sind
selbsterklärend“, beruhigt der Künstler und freut sich auf
interessierte Besucherinnen und Besucher der kleinen Ausstellung im
Quartierszentrum, Niedersachsendamm 20a. Dort sind die Werke von Peter
John noch bis Freitag, 2. Februar, zu sehen und können auch käuflich
erworben werden.
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SERIE MEIN KUNST-STÜCK Peter John und sein Ölbild „Die Teilung der
Tropfen“
Realismus
und Abstraktion
Aktualisiert:
06.02.20 19:37
Der Bremer Maler Peter John präsentiert
sein großformatiges Ölbild „Die Verteilung der Tropfen“. Foto:
MESTER
Bremen - Von Christiane Mester
Zwei
Mädchen, vertieft in ihr Spiel im Freien, verschütten Wasser mit Gießkannen.
Dass sie es auf dem Bild in verschiedene Richtungen gießen, ist kein
Zufall. „Die beiden verteilen das Wasser gerecht“, sagt Peter John,
der mit dieser Darstellung auf die Trinkwasserproblematik in weiten Teilen
der Erde hinweisen will. Mit seinem Werk „Die Teilung der Tropfen“ ist
der 72-jährige Maler Teil unserer Serie „Mein Kunst-Stück“.
Mehr
als zwei Drittel der Erdoberfläche sind von Ozeanen bedeckt. Doch der größte
Teil ist ungenießbares Salzwasser. Kaum mehr als zwei Prozent sind
trinkbar und tatsächlich zugänglich – ein Bruchteil. Im Verhältnis
zum Gesamtaufkommen ist das nur ein Tropfen, den sich weltweit 7,7
Milliarden Menschen teilen müssen. Dass das nicht für alle gleich gut
funktioniert, darauf will Peter John hinweisen. Während das kühle Nass
vielerorts wie selbstverständlich aus der Erde sprudelt, herrscht
anderswo auf der Welt bitterer Mangel daran. Den Fingerzeig auf die
globale Ungleichheit bei der Trinkwasserversorgung vermittelt „Die
Teilung der Tropfen“ allerdings nicht vorrangig über das Motiv. „Ich
falle nicht mit der Tür ins Haus“, sagt Peter John über sein Werk.
In
das Zentrum seines großformatigen Ölbildes stellt John zwei Kinder. Die
Szene, die wie eine lustige Wasserspielerei im Grünen anmutet, lässt
ihren tieferen Sinn erst bei näherer Betrachtung erkennen. Der Hinweis
liegt in der Maltechnik versteckt: Der Künstler bildet die Mädchen
naturalistisch ab. Er bezieht sich somit auf den Stil des Realismus und
dieser Querverweis deutet die eigentliche Intention des Bildes an. John
bedient sich einer Kunstauffassung, in der es vorrangig darum geht, ein
soziales oder politisches Bewusstsein zu fördern. Vertreter des Realismus
setzen sich mit ihren Bildern häufig für eine bestimmte politische
Haltung ein. Und auch der 72-Jährige hat eine Botschaft: „Das Wasser
soll auf der Welt gerecht geteilt werden“, sagt er. Dass er als Maler
einen Hang dazu habe, gesellschaftsrelevante Themen aufzugreifen, führt
er auf seine Jugendzeit zurück. „Wir waren damals alle ein bisschen
politisiert, Ende der 60er Jahre, Anfang der 70er Jahre“, sagt John. Und
aus dieser Lebensphase leitet sich wohl auch seine Auffassung von der
Kunst ab. Denn er schreibt ihr die Aufgabe zu, bestehende Thesen zu
unterstützen. So wie es beim Menschenrecht auf Zugang zu sauberem
Trinkwasser der Fall ist. 2010 ist es von der Vollversammlung der
Vereinten Nationen anerkannt worden. Die Umsetzung lässt jedoch weiter
auf sich warten.
Die
normative Aussage ist nicht der einzige Grund, warum Peter John dieses
Bild besonders wichtig ist. Es zeuge auch von seiner künstlerischen
Weiterentwicklung. „Ich war früher strenger naturalistisch“, sagt er
mit Blick auf die wirklichkeitsnahe Darstellung, die hier auf die Mädchen
beschränkt ist. Darüber hinaus betrachtet, löst sich der logische
Zusammenhang der Gartenszene auf und das Bild verkehrt sich ins Abstrakte.
Das sei ein deutlicher Kontrast zu seinen Arbeiten der 80er Jahre, die
etwa im Zuge des Förderprogramms „Kunst im öffentlichen Raum“
entstanden sind.
Gemeinsam
mit dem Künstler Rolf Wienbeck hat er unter anderem „Die Geschichte der
AG Weser“ gemalt. Das Werk von 1985 lässt sich als ein sozialkritischer
Kommentar zur Werftenkrise verstehen, im Zuge derer nicht nur der Gröpelinger
Betrieb seine Tore schloss. Für Bremen und andere Hafenstädte ging
damals eine Ära zu Ende. Ähnliches lässt sich über das vormals enge
Verhältnis der Kunst zur Politik sagen, dass es so nicht mehr gibt.
„Heute hat man Angst vor politischer Kunst, die wird gerne
verteufelt“, sagt John. Doch das könnte sich perspektivisch ändern,
angesichts einer Zeit, in der politisierte Jugendliche zu Tausenden für
eine Neuausrichtung der Klimapolitik auf die Straße gehen.
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